SANNA

Kazuyo Sejima & Ryue Nishizawa

SANNA es una firma de arquitectos con base en Tokio. Fue fundada por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa y ha sido galardonada con el Premio Pritzker de Arquitectura 2010, el más importante galardón otorgado internacionalmente a arquitectos por el conjunto de su obra. Ese mismo año concluyeron la construcción del Rolex Learning Center. Coincide también este mismo año con la designación de Kazuyo Sejima como directora de la Bienal de Arquitectura de Venecia, tras haber ganado con anterioridad el León de Oro en la edición de 2004.

El trabajo del SANAA se incluyó en la exposición "Ciudad de las Niñas" en el Pabellón Japonés en la Bienal de Venecia 2000 y en el Garden Café en la séptima Bienal Internacional de Estambul, Turquía. Además, su trabajo ha sido exhibido en Zumtobel Staff-Lichtforum en Viena, Austria; Institut Valencià d'Art Modern en Valencia, España; Zeche Zollverein en Essen, Alemania; Galería MA en Tokio, Japón; N-museo en Wakayama, Japón; y el New Museum of Contemporary Art de Nueva York.

El SANAA ha sido galardonado con el León de Oro a la obra más notable en la Metamorph exposición en la novena Bienal de Arquitectura Internacional; la Bienal de Venecia en 2004; el 46 º Premio Mainichi Shinbun Artes (Categoría Arquitectura) en 2005; y el Premio Schock en el campo de artes visuales, también en 2005. Y en 2010, Sejima y Nishizawa fueron galardonados con el Premio Pritzker, el más alto de los honores en la arquitectura.

Principales obras:

Kitagata Housing (1994-1998)

Zollverein School of Management and Design en Essen (2003-2006)

Christian Dior Building en Omotesando, Tokio (2001-2003)

Referencias:
http://en.wikipedia.org/wiki/SANAA
http://es.wikipedia.org/wiki/SANAA
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Kitagatagifusejima.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Zollverein_School_of_Management_and_Design_3116754.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Christian_Dior_Omotesando_Tokyo.JPG
http://www.egodesign.ca/en/article_print.php?article_id=90

Peter Zumthor



Peter Zumthor

Peter Zumthor es un arquitecto suizo, ganador del premio Pritzker en 2009 y uno de los arquitectos más importantes e influyentes del panorama actual.

Comenzó proyectando casas de madera, pasando posteriormente a trabajar el hormigón. Con este material ha desarrollado inteligentes sistemas de construcción, como el de la capilla Bruder Klaus, en Mechernich (Alemania), donde utilizó un encofrado de troncos de madera dispuestos a la manera de una cabaña india, dejando una chimenea, tal que una vez endurecido el hormigón se quemó, dejando sus trazas en la textura del hormigón.

Sus proyectos más conocidos son la Kunsthaus Bregenz (1997), un cubo de concreto cristal brillante con vista al lago de Constanza (Bodensee) en Austria; los baños termales en Vals, Suiza (1999); el Pabellón Suizo de la Expo 2000 en Hannover, una estructura de madera de todo diseñado para ser reciclado después del evento; el Museo Diocesano Kolumba (2007), en Colonia; y la Capilla Bruder Klaus Field, en una granja cerca Wachendorf.

 

Principales obras:

Museo de Arte de Bregenz (1997)

Termas de Vals (1996)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Zumthor
http://en.wikipedia.org/wiki/Peter_Zumthor
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Bregenz_kunsthaus_zumthor_2002_02.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Therme_Vals_facade,_Vals,_Graub%C3%BCnden,_Switzerland_-_20051009.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Peter_Zumthor.png?uselang=es

Steven Holl



Steven Holl

Steven Holl es un arquitecto diplomado en arquitectura por la Universidad de Washington en 1971. Realiza estudios de Arquitectura en Roma que completa con un curso de post-grado en la Architectural Association de Londres en 1976. Después de comenzar su carrera en California estableció su propia empresa: Steven Holl Architects, en la ciudad de Nueva York en 1976.

Holl ganó el primer premio en el Concurso de Amerika-Gedenkbibliothek Internacional de Diseño de la Biblioteca en 1988, una expansión y renovación de la Biblioteca Memorial de América en Berlín. En febrero de 1989, su trabajo fue exhibido en una exposición individual en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. MoMA compró más adelante veinticinco obras de Holl de la colección permanente del museo. En el concurso de 1992 para un nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki, Finlandia, la entrada de Holl, titulado "Chiasma", ganó el primer premio de más de quinientas entradas internacionales. El museo abrió sus puertas al público en 1998, después de haber adoptado permanentemente el nombre de "Kiasma," la traducción finlandesa de "chiasmas".

Deshacer cambios

 

La arquitectura de Holl ha sufrido un cambio de énfasis, de su preocupación anterior de la tipología a su preocupación actual con un enfoque fenomenológico, es decir, con una preocupación por existencialista del hombre y el compromiso del cuerpo con su entorno. El cambio se produjo en parte debido a su interés por los escritos del filósofo Maurice Merleau-Ponty y el arquitecto teórico Juhani Pallasmaa.

 

Principales obras:

Kiasma en Helsinki (1993-1998)

Simmons Hall en el MIT (2004)



Expansión del Museo de Arte Nelson-Atkins (1999-2007)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Steven_Holl
http://en.wikipedia.org/wiki/Steven_Holl
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Helsinki_Kiasma.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Nelson-Atkins_X1.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Simmons_Hall,_MIT,_Cambridge,_Massachusetts.JPG
http://masarquitecturamasarte.blogspot.mx/2010/10/7-preguntas-una-entrevista-con-steven.html

Elisha Otis



Elisha Otis

Elisha Graves Otis fue un inventor de Estados Unidos de un dispositivo de seguridad para elevadores y fabricante de ascensores. Nació en 1811 cerca de Halifax, en el estado de Vermont.

En 1852 inventó un dispositivo de seguridad que posibilitaba ascensores mucho más seguros, al evitar la caída en caso de rotura del cable de sujeción. Otis empezó a vender sus primeros ascensores "seguros" en 1853.

Su invento fue objeto de gran difusión en 1854, en la exposición del New York Crystal Palace, cuando Elisha Otis impresionó a una multitud al ordenar que cortasen la única cuerda que sujetaba la plataforma sobre la que se encontraba. La plataforma cayó solo unos pocos centímetros, parándose enseguida. El nuevo método de seguridad impedía que los ascensores se estrellasen contra el suelo en caso de accidente y supuso una verdadera revolución para la industria.

El primer ascensor de personas fue instalado en Nueva York en 1857. Después de la muerte de Elisha en 1861, sus hijos, Charles y Norton, continuaron su actividad en la empresa Otis Brothers & Co.

El invento de Otis aumentó la confianza pública en los ascensores que fue fundamental para el crecimiento de la construcción de rascacielos. La compañía de construcción de ascensores que fundó se convirtió en una de las empresas de ascensores más grandes del mundo, desde 1976 está integrado en el conglomerado empresarial que forma United Technologies Corporation.



Patente de Otis



Elevadores Otis contemporáneos

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Elisha_Graves_Otis
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Otis.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:ElevatorPatentOtis1861.jpg?uselang=es
http://viviendasamedida.blogspot.mx/2011/12/el-ascensor-del-futuro.html

Frank Ghery



Frank Ghery

Frank Owen Ghery es un arquitecto asentado en Estados Unidos, ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña. Nació con el nombre de Ephraim Goldberg en Toronto, Canadá, pero adoptó más tarde la nacionalidad estadounidense. Su familia era de origen judío-polaca, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. Se graduó en la Universidad del Sur de California en 1954 de sus estudios de Arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. En ese mismo año se cambió el nombre por presiones de su actual ex-esposa. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido a la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar Urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen.

En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París. Permaneció un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.

Cuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de Arquitectura. En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la Arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.

Principales obras:

Casa Danzante en Praga (1997)

Museo de Arte Weisman (1993)

Museo Guggenheim en Bilbao (1997)

Walt Disney Concert Hall (2003)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Gehry
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Guggenheim_museum_Bilbao_HDR-image.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Weisman_Art_Museum.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Prag_ginger_u_fred_gehry.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Disney_Concert_Hall_by_Carol_Highsmith.jpg?uselang=es
http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2009/jun/11/frank-gehry-atlantic-yards-brooklyn

Daniel Libeskind



Daniel Libeskind

Daniel Libeskind es un arquitecto estadounidense de origen judío. Nació en 1946 en Lodz, en la Polonia de la post-guerra. Estudió música en Israel y en Nueva York, y llegó a ser un intérprete virtuoso. No obstante, decidió abandonar la música y dedicarse a la arquitectura. Estudió primero en la Cooper Union for the Advancement of Science and Art en Nueva York, y obtuvo posteriormente un título de post-graduado en la Universidad de Essex, en Inglaterra. A los 21 años adquirió la nacionalidad norteamericana.

Libeskind es un arquitecto de prestigio internacional, apreciado por sus proyectos de edificios y por sus planteamientos urbanísticos. Ha introducido en la arquitectura nuevos conceptos, que han provocado intensas discusiones dentro de la profesión. También se caracteriza por abordar los proyectos de forma multi-disciplinaria, es decir, resolviendo todos los aspectos en su propio diseño.

En 1990 estableció su estudio en Berlín al ser el ganador del concurso convocado para diseñar el Museo Judío. Desde entonces, el despacho ha realizado proyectos de grandes museos, centros culturales y edificios comerciales alrededor del mundo.

Libeskind ha dado clases y seminarios en numerosas universidades de diferentes países, entre ellas las de Pennsylvania, Karlsruhe y Toronto. Ha recibido varios premios y distinciones importantes y ha sido nombrado doctor honoris causa por diversas universidades, entre ellas las de Berlín, Edimburgo y Chicago.

En 2003 Libeskind, con su Torre de la Libertad, resultó ganador del concurso convocado para diseñar el plan de reconstrucción de la llamada "Zona 0" en Nueva York, lugar donde se encontraban las Torres Gemelas que quedaron destruidas en septiembre de 2001. El diseño original sufrió modificaciones por razones de seguridad.

Principales obras:

Museo Imperial de la Guerra en Manchester (1997-2001)

Museo Judío de Berlín (1999)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Daniel_Libeskind
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:ImperialWarMuseumNorth01.jpg?uselang=es
http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Museo_Imperial_de_Guerra
http://www.elmundo.es/elmundo/2008/08/08/cultura/1218204552.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Jud%C3%ADo_de_Berl%C3%ADn
http://daniel-libeskind.com/daniel/

Giovanni Battista Piranesi



Autoretrato de Giovanni Battista Piranesi

Giovanni Battista Piranesi fue un arquitecto, investigador y grabador italiano. Realizó más de 2.000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana así como diseños originales para chimeneas y muebles. Nació en 1720 en Mogliano Veneto, que entonces pertenecía a la República de Venecia. Estudió Arquitectura en Venecia con su tío materno Matteo Lucchesi, que era Magistrato delle Acque en la ciudad. Allí descubrió las obras de Palladio, Vitrubio y algunos edificios de la antigüedad. Apenas llegó a ejercer como arquitecto (sólo se erigió un diseño suyo), si bien sus estudios le permitieron dibujar con mayor facilidad, e hizo gala de su formación firmando algunos grabados como Piranesi architetto.

Se trasladó en 1740 a Roma, junto a Marco Foscarini, enviado del papa en Venecia. Las ruinas del imperio romano encendieron su entusiasmo y la necesidad de representarlas. En aquella época, la arqueología no era aún una ciencia demasiado rigurosa, y en muchas ocasiones se trataba de simple saqueo. Combinando afán descriptivo y fantasía, Piranesi levantó acta de las ruinas romanas y de los hallazgos que se iban produciendo.

Conoció en Roma al erudito G. G. Bottari y aprendió la técnica del aguafuerte con Giuseppe Vasi, con quien firmó algunas imágenes. Sus primeros grabados fueron vistas de la ciudad, destinadas a guías ilustradas. En 1743 publicó su primera gran serie de estampas, Prima Parte di Architettura e Prospettiva. Elaborada con apenas 23 años, desvela ya su maestría como grabador y su inventiva.

Abrió su taller frente a la Academia de Francia en Roma lo cual hizo que viviera en constante relación con los estudiosos de aquel país. Tuvo mucho éxito con sus grabados puesto que la mayoría de los visitantes que iban a Roma gustaban de volver con algún recuerdo, y sus grabados se imprimían en grandes tiradas que los hacían muy asequibles.

En 1761 se convirtió en miembro de la Academia di San Luca. Murió en 1778 y fue enterrado en la única iglesia que construyó: Santa María del Priorato.

Panteón de Agripa en Roma, grabado por Piranesi

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Giovanni_Battista_Piranesi
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Piranesi04.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giovanni_Battista_Piranesi_-_Self-Portrait_-_WGA17848.jpg

Kisho Kurokawa



Kisho Kurokawa

Kisho Kurokawa fue un muy conocido arquitecto japonés y uno de los fundadores del Movimiento Metabolista. Nació en Nagoya, Aichi en 1934. Estudió en la Universidad de Kioto, se graduó con una licenciatura del Departamento de Arquitectura en 1957. Continuó sus estudios en la Escuela de Arquitectura Universidad de Tokio bajo la supervisión de Kenzō Tange, consiguiendo un master en 1959 y el doctorado en 1964.

Junto a algunos colegas, cofundó el Movimiento Metabolista en 1960; sus miembros eran conocidos como los Metabolistas. Éste fue un movimiento radical avant-garde japonés que perseguía la combinación y el reciclaje de los estilos de la arquitectura alrededor de una filosofía asiática. El movimiento fue muy exitoso, destacando cuando sus miembros recibieron la alabanza por el Takara Beautillion de la Expo Universal de Osaka de 1970. El grupo se rompió pronto después de eso.

Kurokawa fue el fundador y presidente de la compañía Kisho Kurokawa Architect & Associates, creada el 8 de abril de 1962. La compañía tiene su oficina principal en Tokio, y delegaciones en Osaka, Nagoya, Astaná, Kuala Lumpur y Pekín. La compañía esta registrada por el gobierno japonés como Oficina de Arquitectos de Primera Clase.

Tiene escrita una extensa cantidad de trabajos referidos a la filosofía y a la arquitectura. Kurokawa escribió que hay dos tradiciones inherentes a cualquier cultura: la visible y la invisible. Su trabajo, según él, lleva la tradición invisible de Japón. Mirando su arquitectura, el metabolismo, la tradición no parece estar presente, pero por debajo de la piel dura de la superficie, su trabajo es japonés. Es difícil demandar que las tecnologías y el material modernos usados hayan heredado la tradición japonesa, y que las formas tradicionales de arquitectura japonesa pueden ser reconocidas en tus torres modernas de acero. Sin embargo, su arquitectura se desarrolla desde la tradición japonesa y uno puede detectar el detrás de la estética japonesa en su trabajo. Su trabajo se centró en guardar las tradiciones japonesas de los conceptos invisibles, especialmente materialidad, impermanencia, receptividad y detalle. Estos 4 puntos fueron discutidos específicamente por Kurokawa en su explicación para una nueva onda de la arquitectura japonesa.

En conclusión, el trabajo de Kurokawa es una tentativa de usar tecnología muy moderna para adaptarse a una sociedad siempre cambiante. Su trabajo puede por una parte nunca parecer “japonés”, pero por otra parte, después de un análisis cuidadoso, uno se dará cuenta de que la tradición japonesa fundamental está expresada en sus obras. Como dijo, él está persiguiendo las tradiciones “invisibles” y las está practicando como orgulloso japonés. Muere en el 2007 por un infarto a la edad de 73 años.

Principales obras:



Museo de Arte de Nagoya (1983-1987)

Museo de Arte Moderno de Wakayama (1990-1994)

The National Art Center in Tokyo (2007)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Kish%C5%8D_Kurokawa
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:KurokawaNagoyaCityArtMuseum.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:The_museum_of_modern_art,_wakayama02s3200.jpg?uselang=es
http://en.wikipedia.org/wiki/Kisho_Kurokawa
http://en.wikipedia.org/wiki/File:National_Art_Center_Tokyo_2008.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/The_National_Art_Center,_Tokyo
http://www.architonic.com/aiabt/kisho-kurokawa-architect-associates/5203214

Metabolista



Ciudad de Cápsulas

El Movimiento Metabolista es una corriente arquitectónica contemporánea conformada por un grupo de arquitectos japoneses y urbanistas unidos bajo el nombre de los Metabolistas.

Fue fundado en 1959. Tenían una idea de la ciudad del futuro habitada por una sociedad masificada, caracterizada por grandes escalas, estructuras flexibles y extensibles con un crecimiento similar al orgánico. Fueron influidos por las ideas y dibujos de Archigram.

Según su visión, las leyes tradicionales de forma y función en la arquitectura estaban obsoletas. Creían en una profunda influencia del espacio y la funcionalidad sobre la sociedad y cultura del futuro.

Algunos de los proyectos más conocidos englobados en este movimiento son la ciudad flotante en el mar (proyecto de Unabara); la ciudad torre de Kiyonori Kikutake; la ciudad muro; la ciudad agricultural; y la Helix City de Kishō Kurokawa.

Diseño del Movimiento Metabolista

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Movimiento_Metabolista
http://gabygibo.blogspot.mx/2008/03/ciudades-futuristas-del-pasado.html
http://arqctaniacz.blogspot.mx/2011/11/movimiento-metabolista.html

Archigram



Amazing Archigram 4

Archigram fue un grupo arquitectónico de vanguardia creado en la década de 1960 (principalmente en la Asociación de Arquitectura de Londres). Enmarcado en el antidiseño, era futurista, antiheroico y pro-consumista, inspirándose en la tecnología con el fin de crear una nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos hipotéticos. Los principales miembros del grupo fueron: Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene. En el panfleto Archigram I publicado en 1961 exhibieron sus ideas. Encargados de realizar una infraestructura ligera, con tecnología de punta, enfocada hacia la tecnología de supervivencia, experimentaron con tecnología clip-on, medios desechables, cápsulas espaciales y con la imaginería del consumo masivo. Sus obras ofrecían visiones seductoras de una glamourosa era futura de las máquinas; sin embargo, los temas sociales y ambientales fueron dejados de lado.

Las obras de Archigram basaban su sesgo futurista en la obra del arquitecto italiano Antonio Sant'Elia. Fue también una importante fuente de inspiración el trabajo de Richard Buckminster Fuller. Los trabajos de Archigram sirvieron, a su vez, como fuentes de inspiración de trabajos posteriores como el Centro Georges Pompidou, hecho en 1971 por Renzo Piano y Richard Rogers, así como la obra de Gianfranco Franchini y Future Systems.



Walking City en Nueva York (1964)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Archigram
http://www.grancomo.com/2010/05/09/archigram-arquitectura-experimental-en-los-60/
http://lagraphicdesign.wordpress.com/2009/11/16/archigram/

Félix Candela

Félix Candela

Félix Candela Outeriño fue un arquitecto mexicano de origen español, famoso por la creación de estructuras basadas en el uso extensivo del paraboloide hiperbólico.

En 1941 adquirió la ciudadanía mexicana. En Acapulco comenzó su verdadera carrera como arquitecto con el diseño de algunas casas y hoteles. En 1950 fundó con los también arquitectos hermanos Fernando Fernández Rangel y Raúl Fernández Rangel la empresa constructora Cubiertas Ala. En 1953 recibió una cátedra en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). También ese año salen de la empresa los hermanos Fernández Rangel, quedando sólo su hermano Antonio. La empresa perduraró hasta 1976, aunque Félix la deja en manos de su hermano en 1969. Durante los 20 años que duró, se elaboraron 1439 proyectos de los que se realizaron 896. La mayoría fueron de tipo industrial, como la estructura en forma de paraguas cuadrado de cemento con el caño de agua de lluvia en la columna central, que proliferan por aparcamientos, gasolineras y, en general, cualquier espacio que requiera de una cubierta ligera, barata, resistente y que ocupe poco espacio en el suelo. Variantes de estas estructuras (paraboloide hiperbólico), se utilizaron en iglesias, donde proporcionan un gran espacio despejado para el culto. El punto culminante de la empresa es la edificación del Palacio de los Deportes para la Olimpiada de México 1968. Preside de 1961 a 1962 la Charles Eliot Norton Lectures en la Universidad de Harvard.

Su esposa fallece en 1963 y vuelve a contraer matrimonio en 1968 con la también arquitecta norteamericana Dorothy Davies.

En 1971 pasa a residir en Estados Unidos, ocupando una cátedra en la Universidad de Illinois en Chicago, hasta 1978, año en que adquiere la ciudadanía. Desde 1979 fue asesor técnico en la empresa de arquitectura IDEA Center, con base en Toronto. Ganó importantes premios y fue miembro de numerosas asociaciones internacionales de arquitectura, incluyendo la presidencia de la Academia Internacional de Arquitectura en 1992.

Desde entonces Candela se concentró más en la parte creativa del trabajo. Participó en los proyectos de la Ciudad Deportiva de Kuwait; el estadio Santiago Bernabeu de Madrid; el Idea Center de Riyadh y Yanbú en Arabia; el Centro Cultural Islámico de Madrid: una torre de oficinas en Riyadh; un aeropuerto en Murcia; la cubierta para un estadio en la Universidad Islámica de Riyadh; la Feria de Muestras de Marbella; la Legislatura de Veracruz; el Master Plan de la Universidad Islámica; y la Procuraduría de Xalapa, Veracruz.

Mientras realiza su última obra, L'Oceanogràfic, recae de una vieja dolencia cardíaca por lo que deja Valencia para volver a Raleigh, Estados Unidos. Fallece en el Hospital de Duke en Durham, Carolina del Norte el 7 de diciembre de 1997.

Principales obras:

Restaurante del Casino de la Selva en Cuernavaca, Morelos (1930)

Palacio de los Deportes en la Ciudad de México (1968)

Parque Oceanográfico en Valencia, España (2002)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/F%C3%A9lix_Candela
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Felix_candela_en_Casino.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palacio_de_los_Deportes.JPG?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:L%27Oceanografic_(Valencia,_Spain)_01.jpg?uselang=es
http://www.arquitecturablanca.com/noticias/exposicion-%22felix-candela-1910-2010%22-en-el-meiac_121.html

Bruno Zevi



Bruno Zevi

Bruno Zevi fue un arquitecto y crítico de arte italiano. Nace en 1918 en Roma, donde consigue la madurez clásica. En 1938, como resultado de las leyes raciales, deja Italia y viaja a Londres y después a los Estados Unidos.

Se doctoró en arquitectura en Harvard con Walter Gropius y estudió la obra de Frank Lloyd Wright, que contribuye a divulgar en Italia con numerosas pruebas y artículos a lo largo de toda su vida.

A su vuelta a Europa, en 1943, participa en la lucha antifascista junto al "Partito d'Azione". En 1944 funda la Associazione per l'Architettura Organica (APAO) y el año siguiente la revista "Metron-architettura". Para entonces, ya era una de las más importantes mentes teóricas del Racionalismo italiano de la posguerra.

En 1948 se convierte en profesor de historia de la arquitectura de la IUAV de Venecia y en 1964 de la facultad de Arquitectura del la Universidad de la Sabiduría de Roma. Dimitirá de sus cargos académicos en 1979, después de haber denunciado clamorosamente el estado de degradación cultural y la excesiva burocratización de la universidad.

De 1954 a 2000 escribe semanalmente columnas sobre arquitectura en "Cronache" y en "L'Espresso" y en 1955 funda la revista mensual "L'architettura-cronache e storia", que dirigió hasta 2000.

Es nombrado doctor honoris causa por las universidades de Buenos Aires, de Míchigan y por la politécnica de Haifa miembro honorario del "Royal Institute of British Architects" y del "American Institute of Architects"; secretario general del "Istituto Nazionale di urbanstica" (INU); académico de San Luca; y vicepresidente del "Istituto Nazionale di Architettura" (In/Arch). En 1979 es elegido presidente emérito del "Comitato Internazinale dei Critici di Architettura"(CICA).

Muere el 9 de enero de 2000 de forma imprevista en su casa romana.

Saber ver la arquitectura, por Bruno Zevi

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Bruno_Zevi
http://elisavaee.wordpress.com/2009/12/11/bruno-zevi-saber-ver-la-arquitectura/
http://www.ecured.cu/index.php/Bruno_Zevi

Richard Meier

Richard Meier

Richard Meier es un arquitecto estadounidense de origen judío. Nació en 1934 en Newark, Nueva Jersey. Estudió arquitectura en la Universidad Cornell y a continuación trabajó en varios despachos de arquitectos, entre ellos los de Skidmore, Owings and Merrill y Marcel Breuer, hasta que en 1963 abrió su propio estudio.

Desde el principio, Meier ha seguido una línea determinada y permanente en sus proyectos. Ha dejado de lado las tendencias pasajeras y las modas, y se ha mantenido fiel a sus ideas. Aunque sus edificios más recientes muestran un refinamiento respecto a los iniciales, siguen siendo de un mismo estilo inconfundible, en los que Meier concede siempre la misma importancia a la claridad de líneas, a la armonía, a los espacios y a la luz. La organización de sus edificios se basa en tramas geométricas que obedecen a condicionantes de su entorno, y le ayudan en el ordenamiento de los espacios interiores y exteriores. En su inmensa mayoría, los edificios de Meier son blancos, el color que considera el más puro ya que reúne a todos los demás y va cambiando de tonalidad durante el día.

Según manifiesta Meier, Le Corbusier ha ejercido una gran influencia sobre él, al igual que Frank Lloyd Wright. Pero también otros arquitectos han sido una referencia para su trabajo. No obstante, considera que la arquitectura es una disciplina que se encuentra en un continuo flujo, por lo que van cambiando con el paso de los años los arquitectos que marcan estilos y que influencian a los demás.

Meier ha sido distinguido con numerosos premios. En 1984 le fue otorgado el premio Pritzker, y en 1997 recibió el máximo galardón estadounidense de su profesión, la medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos.

Poco después de recibir el premio Pritzker, Meier recibió el encargo de diseñar el Centro Getty en Los Ángeles, un gran complejo de edificios que para cualquier arquitecto era uno de los proyectos más interesantes e importantes que se le podían adjudicar. Otro proyecto importante es la Iglesia del Jubileo, en Roma. Con motivo de celebrarse el año del Jubileo en el 2000, el Vaticano organizó un concurso internacional para la realización de una nueva parroquia en Tor Tre Teste, en las afueras de Roma, del que Richard Meier resultó ganador.

Principales obras:

Casa Douglas en Harbor Spings, Michigan (1971-1973)

Centro Getty en Los Ángeles (1985-1997)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Meier
http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Casa_Douglas
http://www.urbanity.es/foro/edificios-en-general-inter/5321-centro-getty-de-richard-meier.html
http://arquitecturahector.blogspot.mx/2012/02/richard-meier.html

Tadao Ando



Tadao Ando

Tadao Ando es un arquitecto japonés. Nació en 1941 en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta. En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara. "Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto", afirma.

En 1970 se estableció en Osaka con "Tadao Ando Architect & Associates", empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes.

En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka. La opinión pública es atraída por Ando a partir de ese momento, lo que se consolida con la construcción de su diseño para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe. En 1980 construyó la Casa Koshino en la ciudad de Asiya.

Entre sus obras más importantes se encuentran la Iglesia sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido; la Iglesia de la Luz en Ibaraki, Osaka; y el Museo de los Niños (1990) en Himeji.

Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.

En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas; esto lo consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios.

Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker. También ha sido invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático.

"Crear arquitectura es expresar aspectos figurativos del mundo real, como la naturaleza, la historia, la tradición y la sociedad, en una estructura espacial, que es un concepto abstracto, dotada de una lógica clara y transparente".

                                                                                                        -Tadao Ando

Principales obras:

Azuma House (1976)

Iglesia sobre el Agua (1985)

Museo de los Niños en Himeji (1990)

Referencias:
Furuyama, Masao (2006). Tadao Ando. Alemania: Taschen
http://es.wikipedia.org/wiki/Tadao_And%C5%8D
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Azuma_house.JPG?uselang=es
http://caxigalinas.blogspot.mx/2012/01/tadao-ando-el-arquitecto-autodidacta.html
http://arquibooks.blogspot.mx/2009/01/tadao-ando-imgenes.html

Minoru Yamasaki



Minoru Yamasaki

Minoru Yamasaki fue un arquitecto estadounidense, conocido por haber diseñado las Torres Gemelas del World Trade Center de Nueva York y por haber pasado a la historia como uno de los arquitectos más prominentes del siglo XX. Junto con el arquitecto Edward Durell Stone es considerado como uno de los más grandes practicantes del "modernismo romántico" en la arquitectura.

Nació en Seattle, Washington en 1912; sus padres fueron inmigrantes japoneses. En la década de 1930, durante la Gran Depresión, Yamasaki se trasladó a Nueva York, donde consiguió un empleo en el estudio de arquitectos Shreve, Lamb and Harmon, diseñadores del Empire State. Obtuvo también un título de maestría en arquitectura por la Universidad de Nueva York, y unos años más tarde se incorporó al despacho Harrison and Abramovitz, responsable del diseño del Rockefeller Center.

El primer trabajo significativo de Yamasaki fue el proyecto urbanístico Pruitt-Igoe, completado en 1955. En 1964 Bates College otorgó a Yamasaki un doctorado honoris causa en bellas artes. La construcción de las Torres Gemelas del World Trade Center, obra más representativa de Yamasaki, comenzó un año después y fue concluida en 1973. Fueron destruidas por los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001.

Los proyectos elaborados por Yamasaki correspondían a su filosofía personal, que decía que cuando una persona entra en un edificio debe sentir serenidad y alegría. Con ello Yamasaki quería huir de los edificios pesados, realizados con materiales agresivos, de formas complejas y carentes de suficiente luz natural. A lo largo de su trayectoria, diseñó numerosos proyectos en los que incorporó estos criterios, ya fuesen edificios de vivienda, de oficinas, de carácter público o universitario, o aeropuertos.

El diseño de las Torres Gemelas se inició a principios de los años 60's y la construcción en 1966. Su contrucción terminó en 1976, y expresaban a la perfección las ideas de su creador, en cuanto a claridad de líneas, ausencia de elementos agresivos, y formas sencillas y comprensibles.

Yamasaki murió de cáncer en Bloomfield Hills, Míchigan en 1986, a los 73 años de edad. Su despacho, Yamasaki & Associates, cerró el 31 de diciembre de 2009.

Principales obras:

Torre Picasso en Madrid (1982-1988)

Torres Gemelas del WTC en Nueva York (1976)

Referencias:
http://es.wikipedia.org/wiki/Minoru_Yamasaki
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Wtc_arial_march2001.jpg?uselang=es
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Torre_Picasso_(Madrid)_10.jpg?uselang=es
http://es.wikipedia.org/wiki/Torre_Picasso
http://www.historylink.org/index.cfm?DisplayPage=output.cfm&File_Id=5352

Complejidad y Contradicción en Arquitectura



Robert Venturi

Complejidad y Contradicción en Arquitectura es un manifiesto que escribe el arquitecto estadounidense Robert Venturi en 1966. En la introducción, Vincent Scully lo considera "acaso el escrito más importante en arquitectura desde la publicación de 'Vers Une Architecture' por Le Corbusier en 1923."

Este manifiesto es un intento de desmitificación de los "sabios" presupuestos de la arquitectura oficialemente actual; en él, Venturi constesta una serie de nociones que han guiado a los modernos diseñadores de arquitectura. La experiencia del paisaje urbano formado caóticamente por superposición de elementos cargados de simbolismo y la comprobación de que los ideales de simplicidad, orden y sencillez son diariamente conculcados por los usuarios de la ciudad y de la vivienda, llevan a Venturi a proponer un programa de diseño basado en valores de pluralidad funcional y ambigüedad significativa, mucho más coherentes con las exigencias simbólicas de la psicologia individual y colectiva.

Obra polémica, constituye uno de los más violentos alegatos contra muchs posiciones hoy acríticamente aceptadas y un esfuerzo vigoroso por descubrir modos radicalmente distintos de afrontar los problemas del diseño arquitectónico.



Portada del Manifiesto

Referencias:
http://ggili.com.mx/es/tienda/productos/complejidad-y-contradiccion-en-la-arquitectura
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Venturi
http://melissaibero.blogspot.mx/2011/06/robert-venturi.html